Выдержки из книги Л. Коронова "Диалоги о бардовском искусстве"

СОДЕРЖАНИЕ

* Введение

* О первом Всесоюзном фестивале самодеятельной песни в г. Саратове

* О втором Всесоюзном фестивале авторской песни в г. Таллинне

* Немного о жюри

* Как провести фестиваль

* Еще раз о судействе и жюри

* Творческие мастерские

* Зачем нужно идти в конкурс

* Что даёт лауреатское звание

* Обращение к конкурсантам

* Выводы о фестивальной жизни, как проводить фестивали завтра

* Вы начинаете сочинять

* Не надо бояться петь классику

* Образный ряд произведения, метафоры, сравнения, аллегории, метонимия

* Присутствие банальности в песнях

* Немного о шоу-бизнесе

* Достижение высокого профессионального уровня

* Психологические аспекты творческих процессов

* Известность как таковая

* Монолог барда (Е. Клячкин)

* Свой зритель

* О границах жанра в авторской песне

* Функционеры и авторы

* Немного отрицательного

* Театр и бардовская песня

* Бардовская песня ХХI века

Введение

В начале нашего, XX века, в Петрограде, на улице Садовой,12, был "открыт" талант Александра Николаевича Вертинского. Случилось это в кабаре "Павильон де Пари". Впервые артист появился перед публикой в образе "Пьеро в белом". Булат Окуджава назвал Вертинского родоначальником авторской песни в России, да видимо, и по праву, так как песни А. Вертинского до сих пор известны, до сих пор поются, до сих пор завораживают зрителя, слушателя. Как Вы все знаете, прихоть Сталина ("пусть допоет..."), позволила Вертинскому вернуться на родину, чтобы до конца дней своих поражать публику своими песнями – законченными миниатюрами, сыгранными с великолепным мастерством. В его поведении на сцене покоряло все: неповторимая пластика рук, поворот головы, настроение, атмосфера – и вы были полностью во власти характера. Это был Артист с большой буквы. Скончался Александр Николаевич Вертинский в Ленинграде в 1957 году. Некоторые заодно с артистом хоронили и его жанр.

А как показало время, зря! В 50-е годы и в первой половине 60-х образовался новый пласт песен, которые можно назвать любительскими, а точнее – студенческими и туристическими. Так как они сочинялись преимущественно студентами, а распевались в общежитиях и в туристических походах. Молодежь того времени заметила и подхватила первые песни М. Анчарова, Ю. Визбора, А. Якушевой, А. Дулова и ... началась эпоха развития авторской песни, что привело к образованию многочисленных КСП (клубов самодеятельной песни). Не придерживаясь в изложении строгой хронологии событий и дат, хочу сказать: в течение нескольких десятилетий шаг за шагом происходило расслоение песни на профессиональную и самодеятельную, так как далеко немало самодеятельных песен писалось на весьма низком поэтическом и музыкальном уровне (сегодня происходит тоже самое, но об этом позднее). А пока, в то время, в 1958 году, В. Берковский пишет музыку к знаменитой светловской "Гренаде", песня "Ровесников следы" А. Круппа становится гимном туристических походов, в Ленинграде в 1959 году издается первый "фольклорный" сборник, включающий двадцать туристических песен, Ю. Ким распределяется педагогом на Камчатку, мы узнаем имена Е. Клячкин, В. Высоцкий, разворачиваются дискуссии об уникальности авторской песни "за круглым столом", гостями которого М. Анчаров, А. Галич, Ю. Визбор, Л. Иванова, Ю. Ким ... Все еще только начинается.

О первом Всесоюзном фестивале самодеятельной песни

Необходимо обязательно рассказать о некоторых исторических моментах в развитии жанра авторской песни. С одной стороны — это полезно знать, а также можно усмотреть некоторые нюансы: как было, как стало, что положительного, что отрицательного, извлечь для себя "зерно истины".

Итак, 1986 год. Краткая хроника некоторых событий:

Май. Подмосковье. XXVI песенный слет Московского КСП. Слет считался городским, но ответственность за проведение несет Ленинградский райком комсомола (перестраховка), система еще работала четко по своим правилам, кстати, предыдущий, XXV слет проходил лишь в 1981 году.

Июнь. Центральный парк культуры и отдыха имени Горького. День самодеятельной песни.

Июль. Куйбышев (Самара). XIII фестиваль памяти Валерия Грушина. Возобновлен после, практически, семилетнего перерыва. Организаторы – Куйбышевский обком и горком партии, облсовет по туризму и экскурсиям, туристский клуб имени В.Грушина.

Сентябрь. Парад авторов— исполнителей "Возьмемся за руки, друзья!", посвященный Году мира. Казань – Набережные Челны – Свердловск – Челябинск – Магнитогорск – Москва – Ленинград. Среди участников – Б. Окуджава, А. Городницкий, Ю. Кукин, Е. Клячкин, Б. Вахнюк, О. Митяев, А. Тальковский и многие другие. Организован Росконцертом Министерства культуры РСФСР по инициативе Дворца молодежи Ленинградского обкома комсомола...

Это все перечисление к чему? К тому, чтобы Вы ясно осознали, что слеты, фестивали в городских и т. п. масштабах, на протяжении 5-7 лет, были запрещены официальными властями и возобновили свою работу только с 1986 года (совсем недавно). С начала весны до поздней осени проходили фестивали по всей стране от Владивостока ("Приморские струны") и Камчатки ("Камчатская гитара ") до Харькова, Таллинна и т. д.

А теперь ближе к главному событию года. В 1986 году, в конце сентября, в г. Саратове состоялся первый Всесоюзный слет самодеятельной (авторской) песни, который проходил в удивительно праздничной атмосфере. Впервые были организованы творческие мастерские по работе с молодыми авторами и исполнителями. Официально они назывались творческими семинарами, но фактически они явились как бы временными творческими лабораториями. Так как одной из задач, стоящих перед ними, была – подобрать достойный состав заключительного концерта. Но не только к этому сводилась задача семинаров, в них производился разбор "качества" авторских песен. Все было поделено на секции, где трудились Б. Окуджава, В. Долина, В. Егоров, А. Мирзаян, семинар авторов, пишущих музыку, возглавлял В. Берковский, исполнителей – Т. и С.Никитины. Никакие "направления" на участие не выдавались, каждый был волен сам выбирать, где ему прослушиваться. Любой поющий имел право спеть то, что считал нужным, не сдавая заранее текстов. Буквально каждому и конкретно объяснялось, если это плохо, то почему, с четкими конкретными примерами. На вечерних концертах уже самим творческим руководителям приходилось подтверждать право учить других (подобных взаимозачетов ранее не проходило). Действующий на фестивале семинар организаторов и руководителей КСП позволил найти оптимальную форму "управления" движением – сформировать общественный совет КСП.

Саратовский фестиваль подвел итоги почти тридцатилетнего движения КСП, наметил дальнейшие пути развития авторской песни. Конечно же все значительные события, происходящие в Саратове, назвать первыми можно лишь условно, так как еще в 1967 году во Владимирской области (охотхозяйство под Петушками) проходила теоретическая конференция по проблемам самодеятельной песни, на которой присутствовали А. Галич, Ю. Ким, А. Якушева, Ю. Кукин, В. Берковский, А. Крупп, В. Туриянский и многие другие, собралось немало организаторов из Москвы, Ленинграда, Минска, Новосибирска и т. д. Было принято решение о создании Федерации клубов самодеятельной песни (избрали Президента Федерации – С. Чеснокова, г. Москва).

И первым деянием нового общественного органа было запланированное проведение масштабного фестиваля самодеятельной песни. Провести его вызвался КСП новосибирского академгородка (председатель В. Меньшиков), входившего, как секция, в клуб "Под интегралом". С исторической точки зрения именно этот фестиваль можно условно назвать первым. Никакого жюри там не было, и конкурса тоже, а шли, почти беспрерывно, концерт за концертом. После, в столице удалось провести традиционный конкурс песни, а следующий только в 1977 году, а 1-й Московский фестиваль самодеятельной песни лишь в 1980 году.

Все происходящее, специально, показано на примере Москвы, чтобы была понятна тернистая дорога авторской песни: от слетов к конкурсам, от конкурсов к широкомасштабным фестивалям.

Да, а что конкретно нового было услышано (открыто) на Саратовском фестивале, буквально несколько слов: Любовь Захарченко из Ростова-на-Дону, Виктор Байрак из Винницы, дуэт из Москвы Георгий Васильев и Алексей Иващенко, Иван Вдовин из Мурманска, ленинградский дуэт Татьяна и Александр Копосовы, Галина Хомчик из Москвы и т.д. Лауреаты первого Всесоюзного не затерялись в теперешнем изобилии авторов и исполнителей песен. Их имена сегодня известны на всю страну.

Участники Саратовского фестиваля разъезжались по домам с надеждой, что первый Всесоюзный не окажется последним.

О втором Всесоюзном фестивале авторской песни

Второй Всесоюзный фестиваль авторской песни проходил в начале октября 1988 года в Таллинне. "Есть мнение, что авторская песня никому не нужна, отжила свое. Это не так. Но что будет с ней, это зависит от Вас – нового поколения авторов и слушателей. Убежден – самое неинтересное, кто какое место получит, кто станет лауреатом, кто – нет. Мы собрались со всей страны, чтобы общаться: в спорах и дискуссиях, в столкновениях различных точек зрения на сегодняшнее состояние нашего жанра. Будем об этом помнить" (Александр Городницкий). Этими словами открывался второй Всесоюзный, и эти слова актуальны и сегодня, чего, к сожалению, многие из "пишущих" не понимают. Официальная статистика: более 800 человек — участников, из 180 городов страны. На открытии, в зрительном зале Дома политпросвещения было более 1200 зрителей. При этом участники давали клятву: "Петь о том и только о том, о чем мы не можем не петь; а в том что мы не можем не петь, вы сейчас убедитесь..." (Вот так было?!) Ради интереса, приведем и клятву жюри: "Принимая на себя почетные обязанности члена жюри второго Всесоюзного фестиваля авторской песни, торжественно клянемся: никому не подсуживать, даже если очень хочется; отличать все новое, оригинальное и талантливое, даже если это нам совершенно не нравится; защищать интересы слушателей хотя бы за то, что они не лезут на сцену; дослушать концерт до конца – его или нашего; помнить о прошлом жанра, но думать и о его будущем" (Мы потом вернемся к этим словам, когда будем вести разговор о жюри, судействе и т.п.). Официальные результаты второго Всесоюзного фестиваля в г. Таллинне: Елена Казанцева, Марк Мерман, Николай Кадол (все Минск) /очень интересный факт/; Борис Гордон (Чебоксары); Вадим Козлов (Алма-Ата). Исполнители: Елена Фролова (Рига), Насер Кульсаиров (Алма-Ата), Елена Лебедева (Днепропетровск), Вячеслав Макаров (Пенза). Ансамбли и дуэты: "Большой секрет" (Одесса), Елена Кабакова и Николай Воробьев (Москва). Авторы музыки (лауреатства не присуждалось), грамоты: Андрей Крючков, Елена Фролова, Дмитрий Бикчентаев, Леонид Позен, Геннадий Перевалов.

Немного о жюри

Небольшой анализ (слово подобралось дурацкое, но что поделать). Сразу скажу, еще не было на моей памяти, ни одного фестиваля, где бы полностью одобрили работу жюри (нет-нет, да кто-то будет не доволен). "Мы всегда стараемся жюрить честно" (А. Тальковский). При этом, конечно же, надо понимать, что мнение каждого из состава жюри субъективно.

Итак, все-таки вернемся ко 2-му Всесоюзному фестивалю. И сегодня невозможно сказать по результатам конкурса, что кого-то отметили незаслуженно. (А как иначе?!) И все же, разберемся. Слово доктору филологических наук Юрию Андрееву, в то время председатель ВС КСП: "Исторический факт, что Толстой не любил, не признавал Шекспира. Стало быть, не каждый самобытный автор способен по достоинству оценить талант другого творца. В этой истине мы еще раз убедились на конкурсе. Собрали в жюри блистательный авторский букет, целое созвездие имен. Но, похоже, часть из них по-своему получилось, но промахи колоссальные. Ряд вещей – крепких, самых серьезных в плане идейном, художественном, оказались незамеченными. В результате среди награжденных не нашлось места уральцу Сергею Боханцеву, чрезвычайно талантливым "Мультикам" – зрелому, глубоко работающему ансамблю из Челябинска, или такой яркой личности, как Виктор Гагин. Крупным сбоем, и моим в том числе, считаю, что на фестивале не было апелляционного жюри... Стоит вводить в состав жюри тех, кто может смотреть на происходящее в целом, не обладая при этом групповыми пристрастиями и однобоким интересом по отдельным направлениям".

Кстати, на многих пресс-конференциях, диспутах, совещаниях многими подвергалась критике сама идея конкурса песни, напоминающего спортивное соревнование.

На первом Всесоюзном фестивале самодеятельной песни в Саратове вообще не было конкурса. Работали только творческие мастерские, они отбирали участников заключительного концерта, собственно лауреатов. Таллиннский же фестиваль буквально запутался в паутине конкурсов: финального, региональных, областных. (Только в Москве их прошло десять). И неудивительно при этом, что к задачам творческого отбора добавились стратегия и тактика (в какой весовой категории выступать). А авторы из Дальневосточного региона вообще отказались соревноваться друг с другом за одну-две путевки, письменно уведомив о своем решении оргкомитет.

Все вышеперечисленные "ошибки" мы можем наблюдать и при проведении конкурсов на "современных" фестивалях авторской песни.

Мне кажется, что общее представление о том, как это было уважаемый читатель получил. Поэтому, давайте все-таки перейдем к сегодняшнему дню, и не спеша разберем все по порядку. Что, может быть, послужит хорошим уроком или опытом, а может кто-то сделает для себя определенные выводы, естественно в положительную сторону.

Как провести фестиваль

Для проведения фестиваля городского уровня, необходимо решить ряд основных вопросов.

+Время проведения. Так как, на сегодняшний день, проводится достаточно большое количество фестивалей, то неплохо бы было "посмотреть" календарь их проведения. Лучше не пересекаться с другими фестивалями.

+Идея, цель проведения. Здесь можно было бы перечислить многие давно известные звучащие фразы, связанные с молодежью, воспитанием, пропагандой жанра; да, это все имеет место быть и правильно. Добавить хотелось бы пример: недавно (год 1999) в Кронштадте начал свою работу фестиваль "Струны фортов", который проводится на территории форта "Константин" и, приурочен к празднованию Дня ВМФ, вот Вам, пожалуй, уже и экзотика. Улавливаете мою мысль.

+Поиск спонсоров. Этот вопрос можно решать отталкиваясь от идеи или специфики фестиваля (пример: "Струны фортов", идеальный спонсор – ЗАО "Морская Лига" и администрация города или идти тривиальным путем, то есть искать предпринимателей, которые хотели бы рекламировать или продавать свою продукцию при стечении большого количества людей). В общем способов много и поиск спонсоров заключается именно в их поиске.

Подготовка и организация. Решение данного вопроса зависит от места проведения и времени года. Если это "теплое" время года, то скорее проведение фестиваля будет на природе, обычно это (лес, горы, море и т.п.), где можно было бы разбить палаточный лагерь, необходимо учесть доступ к воде (в плане приготовления пищи и отдыха). Если это зима или время года, когда требуется наличие помещения, то это может быть лагерь отдыха, пансионат, гостиница и т.д., что в свою очередь, несет дополнительные расходы. Конечно же, кроме встреч, отдыха, концертов, творческих мастерских, конкурса, необходимо продумать и другие культурно-массовые или спортивные мероприятия. Приглашение гостей, жюри – это особый вопрос, так как от этого зависит дальнейшее развитие фестиваля. Уровень "жюрейства", вот вопрос? Качество проведения творческих мастерских, здесь нужен и такт, и жесткость, и умение доходчиво объяснить, показать, доказать, участникам должно быть интересно, а отсюда и желание приезжать еще и еще. Причем, я не думаю, что надо гнаться за большим количеством "имен", а то получится как с нашей сборной по хоккею (я думаю, Вы поняли, о чем я, собственно). Ну и в заключение, необходимо максимально разослать информацию во все регионы, упор сделать на рекламу в близлежащие города и области, и внутри города, где фестиваль будет проводиться. И вперед, успехов Вам! Да, чуть не забыл, поинтересуйтесь опытом проведения подобного у своих соратников. Они с огромным удовольствием помогут Вам.

Еще раз о жюри и судействе

Любая работа, если она делается качественно – тяжелая работа. Подбор состава жюри важен. Я буду говорить правду, может кому-то она покажется слишком суровой. Представьте себе, один из членов жюри "лирик", ему (подсознательно) нравятся песни лирического содержания, другой – композитор, о стихах имеет свое, бытовое суждение (то есть за всю жизнь не написал ни одной строчки), третий – исполнитель, то есть его будет интересовать, в большей степени, исполнительское мастерство участника, следующий – пел (выступал) всю свою жизнь только в дуэте или в составе ансамбля и т.д. и т.п., много-много различий, разновидностей, факторов. Наконец, просто уже очень заслуженный, очень почитаемый автор или исполнитель, который просто устал от бесчисленных поездок и выступлений, а рассуждением, которое выразить можно одним словом – "одобрям" или наоборот в тонкости процесса он вдаваться не будет. Поверьте это все объективно, это правда. Представьте себе следующие цифры, на "Грушинском" фестивале в конкурсе участвуют не одна сотня авторов, исполнителей, ансамблей и т.д., и теперь всю эту "массу" людей необходимо прослушать (да еще со вниманием), да еще потом второй тур, третий тур (представили себе какой это труд, напряжение) и при этом вывести в оставшийся конкурс 25 человек лучших со всех уголков нашей необъятной Родины (и не только), с ума можно сойти. Жюри здесь явно не позавидуешь. Еще один, я считаю, отрицательный момент во всем этом присутствует. О субъективизме мнений, кажется, мы говорили выше. Так вот, существует жюри первого тура, которое рекомендует петь одни песни (они им понравились, что совсем не обязательно, что они понравятся жюри второго тура, или даже третьего.

Поэтому, опыт первого Всесоюзного фестиваля, я думаю самый удачный, и остается актуальным и сегодня. Ну а жюри необходимо выбирать универсальное и взаимозаменяемое, с учетом всего вышесказанного, тогда, видимо, будет максимально положительный результат. Как пожелание, можно добавить, лучше пригласить одного-двух "супермэтров" (наверно Вы знаете, что за эту работу они получают гонорар), а оставшуюся сумму вместо того, чтобы тратить на "супер", лучше пригласить в три раза больше менее известных, но не менее талантливых и работоспособных членов жюри. Поверьте, толку от этого будет больше. Опять же, людей (из нашей творческой среды), которые сегодня на все 100 % и объективно, и интересно могут провести творческие мастерские, можно перечислить по пальцам (это объективно, я сам неоднократно принимал участие в разного рода мастерских, поэтому данное заявление я могу обосновать). Но, так как мы договорились не называть имен, то эти фамилии (имена), аргументы Вы можете получить только лично, в приватной беседе (или при письменном запросе), извините.

Творческие мастерские

Не скажу Вам нового, что творческие мастерские сегодня проводятся по номинациям, авторы и исполнители, иногда сюда добавляются дуэты-ансамбли. Как правило, в состав творческих мастерских входит жюри ( и это правильно, так как тем самым они себе облегчают задачу судейства), а также они имеют возможность поближе познакомиться с участниками фестиваля.

Господа "жюрийцы", давайте же относиться со вниманием ко всему происходящему. Если у автора, исполнителя есть хоть что-то положительное, за что можно зацепиться – давайте цепляться (скажем: "Вот это хорошо..."). А отрицательное то и то-то, и почему плохо, и почему не так, да еще добавим эрудицию, да примерчик вставим. Вот это было бы здорово! А то что получается, ведет мастер мастерские и, ограничивается словами, хорошо-плохо, да еще – банально, а почему? Вот здесь ответа не следует. Другой пример (более демократичный) – дать высказаться всем участникам (своеобразный круглый стол), а потом, в лучшем случае подвести резюме (да, имеет место быть), но, поверьте, участник (прослушивающийся) хочет большего!!!

Участник: Господи, не сидите же Вы как кролик перед удавом. Вы пришли услышать о себе (точнее о Вашем творчестве) мнение друга, просто более умудренного, более опытного. А отсюда, Ваша задача максимально "высосать" информацию о том, что Вы показали и требуйте эту информацию. Только не надо забывать одно, — Вы пришли послушать субъективное мнение мастера жанра (это его субъективное мнение и все), Вы можете к нему прислушаться, можете — нет. Но, если Вас начнут ругать или говорить какие-то неприятные вещи о Вашем творчестве, не надо бросаться грудью на амбразуру и кричать: — "Никола, заряжай!", надо спокойно все выслушать, и если Вы не полный ..., сделать выводы, покопаться в себе. И только так, другого пути нет. Если взять себя за пример, то я могу сказать, когда мне удалось уйти от банальной поэзии, что проходят все, найти что-то свое, показать это, получить "по шапке", на выходе результат был следующий – что-то я "выбросил" навсегда, что-то я изменил, а что-то оставил (потому, что я считаю так надо оставить). Выводы: стремиться к идеальному необходимо, найти свое место, свои ходы, свои афоризмы в поэзии, музыке надо, иначе Вы не состоитесь как автор-исполнитель, композитор в жанре авторской песни.

Зачем нужно идти в конкурс

Человек, автор, который написал стихи, песни и заявляющий, что это он делает только для себя, заведомо врет. Так как любой вид творчества предполагает своеобразное самовыражение во-первых, а во-вторых – возможность поделиться своими мыслями с другими людьми. Поэтому, любой, кто чего-либо создал нет-нет да и покажет это (созданное) своим друзьям, знакомым (обычно это происходит на кухне, за столом, на празднике, на отдыхе и т.п.). именно с этого начинается "вхождение" автора в народ. И, наступает момент, когда "автору" требуется более широкая аудитория, или он хочет услышать мнение о своем творчестве "в мировом масштабе", а может, начать заниматься творчеством профессионально. Так вот, грань, между одним состоянием и другим, как раз и попадает (или лежит) в области такого понятия, как – конкурс. Да и словосочетание – лауреат Всероссийских и международных конкурсов звучит гордо. Сразу оговорюсь, совсем не обязательно, что Вы будете "лауреатом" и о Вас будет знать вся страна, Вы будете почитаемы и любимы, и наоборот, не имея лауреатств – о Вас будут знать все. Разберемся. Идя по пути совершенствования своего творчества, у Вас возникает желание где-нибудь поучаствовать в конкурсе. Поучаствовали, не прошли, что дальше? Вот здесь, в этот самый момент и проявляется сила воли, характера и т.д. (или Вы продолжаете "работать над собой", или Вы бросаете все с упреком – никому я не нужен, никому не интересен). Это все можно условно обозвать – первая точка отсчета. Дальше что? Только труд и желание работать, "поднимать" свой профессиональный уровень, расти. Со временем Вы сами поймете – надо Вам идти в конкурс или нет. Приоткрою занавес, очень значительное количество известных мне ( и не только мне, а всей стране, популярных, почитаемых и т.д.) авторов и исполнителей – никогда не становились лауреатами "помпезных" фестивалей, и наоборот – можно привести массу примеров, когда после получения лауреатских званий об этом авторе, исполнителе больше никогда никто ничего не слышал (но мы имен не называем, только при личной беседе).

Я лично, вообще противник того, чтобы во "взрослых" конкурсах давались лауреатские и дипломантские звания "очень молодым", этим, господа жюри, мы просто губим зарождающийся талант. И, если на "Петербургском аккорде" звание получает 18-ти летняя девочка, я лично на ней "ставлю крест", как на будущем авторе или исполнителе, не знаю с чем это связано – видимо не справляется психика молодого организма. (Я стал лауреатом, достиг вершины, и что... – вот вопрос?)

Выводы: и все-таки в конкурс идти надо, но не ради достижения токмо лауреатских званий, а ради того, чтобы тебя лишний раз увидели, услышали, оценили, запомнили, а также ради проверки своих волевых качеств.

Что же дает лауреатское звание?

Разговор с Андреем Кучумовым, лауреатом "Грушинского" фестиваля 1994 года (кто вдруг не знает – самый многочисленный фестиваль по количеству участников и зрителей, более 200 тысяч человек).

– Андрей, скажи мне, вот ты стал лауреатом "Грушинки", а дальше что происходило, у тебя появилась "дополнительная" известность, ты стал разъезжать по городам, тебя начали заваливать предложениями где-то выступать?

— Ничуть не бывало, меня пригласили на фестиваль в город Норильск (в качестве гостя), был оплачен проезд в оба конца, были выступления, вот, собственно и все (исключая некоторые подробности), а дальше затишье... После этого (через три года), я принимаю решение, самостоятельно начать ездить на различные фестивали, и только таким образом, приобретая определенную известность, начал получать приглашения на участие в концертах, работе в жюри и т.п. ...

Выводы и размышления:

Лауреатское звание не дает известности (в широком смысле этого слова), с получением права "носить" звание лауреата жизнь не заканчивается. А что дальше? Вот вопрос, ответ на который каждый должен найти для себя самостоятельно. Многие, не найдя ответа на данный вопрос, заканчивают свой творческий путь навсегда. Обратимся к статистике (математическое прошлое покоя не дает). Возьмем пример: в XX веке прошло XXVII фестивалей им.В.Грушина. Лауреатами в различных номинациях, за прошедший период, стало более 200 человек. Где они, какая их судьба, кто из них известен в масштабах страны, задумайтесь над этим? Задумались, теперь Вы будете "спокойнее" участвовать в различных конкурсах. И, надеюсь, поймете истинный смысл происходящего на фестивалях различного уровня.

Вывесить (в печатной форме) на всех фестивалях авторской песни:

Эта идея принадлежит Андрею Кучумову, после посещения нами фестиваля в городе Полярные Зори (Кольский полуостров).

Обращение к конкурсантам:

Часто "скрытая" одаренность не вписывается в общеизвестные программы, учения, требования и т.п.

Известно, что Пушкин был "абсолютным нулем" в математике, Бетховен за всю жизнь не смог выучить таблицу умножения, Роден и Черчилль в детстве страдали расстройством речи, поэт Роберт Бернс долго не мог научиться читать, Эйнштейн в 15 лет был исключен из гимназии за кромешную неуспеваемость, а Чехов был оставлен на второй год в 3-м классе – за отставание в словесности. Шаляпина не приняли в церковный хор, а Горького приняли. Зато его не приняли на филфак Казанского университета.

Не унывайте, если у Вас что-то не получается или Вы не стали лауреатом какого-то там конкурса. У Вас все впереди!

Андрей Кучумов

Леонид Коронов

Выводы о фестивальной жизни

Как проводить фестивали завтра...

Итак, общаясь с различными творческими лицами, которые профессионально занимаются авторской песней, можно придти к заключению, что бардовское искусство не умирает. Просто, необходимо серьезно задуматься о завтрашнем дне и определиться, какой быть авторской песне XXI века, наметить дальнейшие пути ее развития. Что мы имеем ? Опыт проведения фестивалей различного уровня – колоссальный, опыт работы лаборатории авторской песни при Высшей школе деятелей сценического искусства при РАТИ (ГИТИС) – есть, (руководитель Ю. Л. Лорес), опыт проведения позитивных творческих мастерских — присутствует. Что не хватает?! Один из разговоров:

(столовая, 2-ой фестиваль "Петербургский аккорд")

– Леня, ты был на прошлом "Грушинском" фестивале

– Да...

– Понравилось происходящее...

– Нет... потому-то и потому-то...

– Мне тоже...

Вот такой банальный разговорчик, и все бы ничего особенного, если бы не собеседник мой – А. Городницкий. Давайте "ломать" некоторые устои функционеров, которые, в силу различных причин и обстоятельств, волей или неволей, сложились. И, в первую очередь, это должны делать люди, имеющие весомый авторитет в мире авторской песни. Ну, а молодым – везде у нас дорога.

Как проводить фестивали завтра? Для начала, видимо, необходимо вернуться к опыту проведения первого Всесоюзного фестиваля, то есть больше внимания уделить творческим мастерским. Как итог — провести два концерта: первый – это авторы и исполнители, заслуживающие интерес, имеющие перспективы на будущее, и второй – заключительный, в который, собственно, и входят участники, работающие на высокопрофессиональном уровне (они же "автоматически" лауреаты) и наши любимые и уважаемые м э т р ы. Да на подарки лауреатские тратиться разумнее, "качественнее" (струны для гитары дорогие и хорошие, гитара, другие аксессуары), тогда в конкурс не будут ходить лауреаты прошлых лет (за подарками, типа – телевизор), будет продвижение снизу (иногда получается такой казус, что хороший автор или исполнитель не попадает в лауреаты из-за отсутствия подарков, или, еще чего смешнее, из-за отсутствия дипломов, то есть бумажной продукции) – а это вообще, слов нет...

Сергей Каплан, художественный руководитель всеизраильского фестиваля авторской песни "Дуговка", из нашего с ним разговора:

— Сергей, какие ты видишь дальнейшие пути развития жанра бардовской песни в России и за рубежом?

— Одна из форм (это новаторская идея Сергея) – форма наставничества, за образец возьмем Санкт-Петербургский фестиваль авторской песни "Петербургский аккорд". На данный фестиваль (об этом уведомляется заранее) условно приглашается 20-30 мэтров жанра (по выбору устроителей данного фестиваля). Каждый из мэтров имеет право привезти с собой 2 человека (его ученика – условно) с их новыми работами (песнями), которые были ими "рождены на свет" за последний год-два. Причем, совсем не обязательно региональная, городская и т.п. привязка. По результатам концертов: мэтры должны сами определить и отметить наиболее интересные "работы" ( путем голосования или обсуждения ), а извините, за "туфту" — придется краснеть и отвечать каждому лично. (В следующий раз не пригласят). Вот это конкуренция, вот это и будет способствовать развитию жанра. Да, еще необходимо пояснить взаимоотношения мастер-ученик. Учеников может быть десять и более, и соответственно среди них тоже идет творческая конкуренция. Считаю, что это очень неплохая идея. Остается только согласиться с Сергеем, действительно интересно и необычно.

Хочется добавить. При этом, параллельно, можно (отдельно) устраивать концерт гостей фестиваля, мэтров, "хохмушки" и т.п. Можно пойти и еще дальше, мэтр должен показать (за редким исключением) свою новую или новые работы, так как многие устали слушать, в сотый раз, одни и те же песни (это уже сурово...). Да, если не страшно – дерзайте, или будем топтаться на месте!? Есть еще один путь – собираться, устраивать творческие мастерские, обмениваться опытом, и петь (концертировать), причем "новые" люди сюда "вливаются" с общего согласия и одобрения (кое-где такая форма уже существует). Короче, мнений много, идеи надо развивать и, главное – претворять в жизнь. А сейчас оставим в покое общие, административные и прочее вопросы, и поговорим непосредственно о Вашем (личном) творчестве.

Вы начинаете сочинять

Сколько людей, столько и вариантов начала творческой деятельности конкретного Человека. Упаси Вас Бог стараться начать этот процесс искусственно, как правило получится "туфта", но если что-то в груди шевельнулось, Вы не находите себе места... пора. Смело беритесь за перо, гитару и т.п., причем, рекомендую, сделать это сразу, пока это прекрасное состояние не ушло (есть опасность забыть или потерять..., так как Вы еще не имеете достаточной натренированности запоминать, фиксировать и т.д.). Мне кажется, совершенно не страшно, что первые Ваши попытки будут банальны, страшно другое, считать свое произведение совершенным.

А к совершенству надо стремиться. Талант, который Вы неожиданно обнаружите, необходимо лелеять и, при этом, не забывать, что сосуществование "Моцарта" и "Сальери" вечно, то есть десять процентов из ста – талант, остальное труд-труд-труд.

Не надо бояться петь "Классику"...

Не надо бояться петь "чужие" песни, читать стихи классиков литературы и классиков жанра. Ведь для того, чтобы научиться писать самому, необходимо, как минимум, знать как это делают другие. Почитайте внимательно различные произведения, но при этом постарайтесь найти в них основные составляющие любого литературного произведения: смысл (содержание), стиль (форма), эмоциональное наполнение (переживание). Мне кажется, что Вы найдете для себя много нового, посмотрев на произведение именно под вышесказанным "углом". Удивитесь, что некоторые произведения настолько банальны, что, может быть, станут Вам не интересны, а до сего момента казались интересными и наоборот, произведения, не вызывающие ранее интерес, вдруг станут Вам более понятными.

Итак, когда Вы учитесь, или образно говоря, (по-ремесленному: "набиваете руку"), происходят интересные вещи:

— у Вас обостряется чувство восприятия;

— Вы начинаете более четко отличать (на элементарной профессиональной основе) хорошее произведение от "туфты";

— начинаете замечать ошибки, недостатки или наоборот, положительные стороны произведений своих друзей-товарищей, других исполнителей;

— и главное, Вы начнете делать элементарные выводы, то есть думать.

Присутствие банальности в песнях

Представьте себе, когда Вы или Ваш друг, с упоением, начинает рассказывать о том, что небо-то голубое, а травка-то зеленая... Не удивляйтесь, если увидите вокруг скучающие лица. (При этом не надо путать банальность стиха, который мы условно можем назвать "Песня чукчи", то есть: что вижу – о том и пою, и вообще – полную бессмыслицу, когда непонятно ничего – (о чем это он?). Для меня, лично, пусть лучше банально (и коряво), чем "красиво" и ни о чем. А знаете почему? Человек, который пишет банально, если будет учиться и "работать", то сможет написать более интересно, тот же, который пишет ни о чем – тот просто ни о чем не думает (мысль отсутствует, а это страшно). Еще, по этому поводу, можно сказать, что банальные песни, поданные очень "вкусненько" или смешно, тоже имеют место быть. И воспринимаются мудрой аудиторией соответственно. Хотите примеры, пожалуйста, у А.Иващенко и Г.Васильева – "Трояк", "Коричневые брюки" и т.п. Каким же образом научиться "уходить" от банальности. Надо просто быть внимательным, научиться наблюдать, замечать, сравнивать...

Немного о шоу-бизнесе

О шоу-бизнесе можно говорить много и использовать при этом разные эпитеты. Сравнивать бардовское искусство с шоу-бизнесом практически невозможно, так как главная задача "шоу" – зрелище. "Выходя со сцены, Филипп Киркоров имеет право спросить у своего менеджера (друга, подруги) только одно: Как я сегодня звучал?" /А. Тальковский/

Видимо это так. Так как ни о каком диалоге речь не идет – все искусственно. Вы понимаете? Невозможно "скакать" по сцене 2-3 часа, и при этом петь (это ясно каждому, кто хоть раз попробует повторить такой опыт или имеет представление о дыхании). А если еще рассмотреть вопрос "фанеризма", то совершенно ясно, что только используя подтанцовку, пятикратное наложение голоса, плюс бэк-вокалисты, плюс девочки (чтоб было на что посмотреть), можно выйти и, прозвучать красиво-красиво. Не случайно, в кругах шоу-бизнеса поднимался вопрос о создании закона "О запрещении использования фонограммы". /Коротко: если Вы используете "фанеру" на концерте, то обязаны об этом указать в своей афише. Представляете, звучит, да: "Сегодня и только сегодня, проездом из Бахчисарая в Париж, для Вас "под фанерку", на протяжении двух часов, будет "лабать" несравненная "звезда", платите "лохи" денежки неслабые, вместе повеселимся"/, инициатива господина И. Кобзона восторгом встречена не была, так как Кобзон-то "живьем" работает, ему легко рассуждать. Если бы вопрос был только в этом? /Кстати, на Западе – самая дорогая музыка, концерт и т.п., исполняемая "живьем" и на неэлектронных инструментах/.

Достижение высокого профессионального уровня

Очень много знакомых мне бардов, людей пишущих, начинали петь в кругу друзей (на кухне). Через это проходят все, и это нормально. Если автор, исполнитель хочет двигаться дальше, я имею ввиду, что он желает расширить свою аудиторию слушателей, то ему обязательно придется столкнуться с целым рядом трудностей. И первый постулат: "площадка (сцена) – это не кухня." На кухне он был окружен близкими ему людьми: друзьями, родственниками, которые "восторгались" его творчеством, умением петь и играть на гитаре. У данного человека складывается определенный стереотип своего (условно) выступления, при неизменном положительном результате на выходе – "овации" и восторг.

А дальше происходит казус: автор (исполнитель) выходит на более "массовую" аудиторию и, не получает того результата, который он привык получать на протяжении определенного количества времени. Что происходит? В силу вступают все законы сцены, и если не следовать этим законами – происходит заведомый "провал", и как следствие – неудовлетворение собой, своим выступлением, даже своим творчеством, (при условии, что написано хорошо). Несколько лет назад один человек сказал мне замечательную фразу: "Ты написал хорошие стихи, замечательную музыку – получилась хорошая песня (но только теоретически), а теперь попробуй ее "донести до зрителя" и тогда можно будет считать, что ты ее сделал".

И это так... До тех пор, пока песня не будет "отработана", подготовлена (с профессиональной точки зрения), выстроена, проверена на публике (неоднократно), песню нельзя считать высокохудожественным произведением, и, уважающий себя бард (желающий выступать на большую аудиторию) не имеет права выходить на сцену. И именно поэтому на фестивалях и конкурсах возникает дилемма: замечательный автор, написана хорошая песня с хорошими стихами, а "исполнено" плохо. Вывод: плохое исполнение не вызывает положительных эмоций у зрителя и жюри.

Зрителям абсолютно не важно кто на сцене — автор или исполнитель. Их, прежде всего, интересует образ, который вы создаете. При этом все должно происходить легко, естественно, правдиво, непринужденно.

Актер (исполнитель) обязан уметь хорошо представлять события, предметы, людей (то есть "картинки"), которые он "показывает" в песне. Если этого не происходит, (автор (актер) их не видет), то, извините, а как их может увидеть зритель, никак?! При этом следите, чтобы Ваши образы не стали искусственными. Если, по-Станиславскому можно играть:

— напоказ

— для себя

— для партнера,

то единственно верное для бардовского искусства – игра для партнера. В нашем случае партнер – зритель ("зрительный зал"), только настоящее общение приводит к положительному результату. При этом необходимо учитывать, что "Ваш партнер молчит". А как же реакции? Вздох, мимика, смех, блеск в глазах и т.д. – это и есть реакция, это и есть диалог.

Итак, сделаем некоторые выводы:

— не следует выходить на "массовую аудиторию" с песней, которая неподготовлена.

Психологические аспекты творческих процессов

Эта глава рассчитана на вдумчивое чтение. Ваша задача – понять, что все процессы, происходящие в окружающем нас мире, взаимосвязаны. И имеют непосредственную связь с творчеством, оказывая на него огромное влияние.

Творчество – это создание на основе того, что имеется, того, чего еще не было. При этом уровень творчества считается тем более высоким, чем большей оригинальностью характеризуется творческий процесс.

С научной точки зрения, для совершения открытия нужны такие качества, как решимость, чтобы не останавливаться на полпути, смелость мысли, чтобы видеть дальше и лучше своих предшественников, мужество, чтобы пойти против течения и сломать веру большинства. А также, для продуктивного творчества необходимо следующее: проводить детальный анализ — видеть за частным общее; глубоко исследовать сущность и связь с другими явлениями; не избегать вопроса "почему"; прослеживать историю идей; собирать как можно больше сведений о предмете исследования; изучать общие закономерности научного познания (думать о том, как думаешь); связывать "предмет" с другими областями знания, с общественной жизнью; не только решать проблемы, но и находить новые – нерешенные.

Далее мы рассмотрим слагаемые человеческой личности, их особенности и влияние на человеческий организм. И ответим на вопрос: ПОЧЕМУ происходит тот или иной процесс в человеческом организме?

Человеческий организм представляет из себя соединение полевой и материальной формы. Разум для собственного проявления формирует "пять органов действий " (все многообразие энергий), "пять органов чувств", которые сообщают о том, как идет работа, и "ум" – который координирует все действия в целях воплощения задуманного. Итак, под личностью мы будем подразумевать конкретного человека во всем многообразии чувств, потенциальных возможностей ума, индивидуальной конституции, отношений с окружающим миром и физической деятельности. При этом постоянно помнить, что личность конкретного человека – это внешнее проявление энергии и материи сознания и включает в себя полевую форму и физическое тело. Отличительными психологическими особенностями личности являются: сознание, индивидуальность, саморегулирование, активность, взаимосвязь.

Человек как личность имеет два главных вида сознания, которые имеют сложное строение и специфически влияют на организм человека. Первичное сознание образует полевую форму человека и поддерживает ее в течение всей жизни; клеточное сознание функционирует в тех случаях, когда первичное сознание по какой-то причине покидает физическое тело. Его основная цель – выживание физического тела как клеточного содружества. На основе первичного сознания (мудрость предшествующих поколений) формируется обыденное сознание человека. Оно, в основном, основано на органах чувств, которые "докладывают" как работают органы действий. В результате этой деятельности образуется ум и интеллект. Обыденное сознание обычно рассматривают с двух позиций: внешнее сознание и самосознание. Внешнее сознание направлено на окружающий человека мир и позволяет ему добывать знания об этом мире, максимально приспосабливаться к нему, постигать его законы. Внешнее сознание "нарабатывает" память, формирует ум и интеллект.

Память человека отмечает события, произошедшие в пространстве и времени, в результате такого осознавания в полевой форме человека происходят особые процессы структуризации в виде голографических образований, в которых хранится вся информация о событиях, ощущениях и т.д., которые произошли с человеком. Записывается и сортируется абсолютно все: чувствительные ощущения отдельно для каждого органа чувств; последовательность эпизодов жизни; радостные моменты и неприятности; логическая информация и многое другое. Таким образом, память представляет собой огромные банки данных, систематизированные и упорядоченные. Полевая форма не только пронизывает физическое тело человека, но и далеко выступает за его пределы, образуя яйцеобразную полость вокруг него. Обычно ее называют аурой. Помимо памяти в полевой форме существует клеточная память физического тела, в которой накапливается абсолютно вся информация. Они (клетки) "записывают" все, что происходит вокруг тела: акустические волны (голоса, звуки улицы), запахи, световые процессы и т.д. "Запись" есть ни что иное как структурное изменение содержимого клеток под влиянием энергии, несущей информацию. Таким образом в физическом теле накапливается совершенно ненужная информация, которая мешает работе всего организма. В итоге память состоит из банков полезной для жизнедеятельности организма информации и вредной.

Деятельность ума человека состоит в том, что на основании прошлого опыта и полученной чувствами информации он должен максимально согласовать жизнедеятельность организма с моментом текущей жизни, возникшей ситуации и т. п. С помощью ума мы воспринимаем, воображаем, представляем и решаем. Ум человека можно условно подразделить на три части: аналитический, реактивный и рабочий. Аналитический и реактивный ум – антагонисты.

Аналитический ум анализирует поступающую информацию, сверяет ее с имеющейся в информационных банках, формирует новые выводы, изменяет старые. Он обладает полной властью для внедрения в жизнь своих действий и желаний. С помощью механизма, регулирующего жизненные функции, аналитический ум может повлиять на любую функцию организма. Подчеркнем, что аналитический ум работает только с памятью, имеющейся в полевой форме человека.

Реактивный ум работает исключительно на раздражительно-ответной основе и "думает" исключительно категориями идентичности. Он связан с клеточной памятью и приводит в действие информацию, записанную на клеточных структурах.

Рабочий ум – это "инструмент", который реализует вовне действие аналитического и реактивного ума. Пример, человек хочет выпить стакан молока. Аналитический ум просчитывает все действия для этого: взять рукой стакан, налить молока, поднести ко рту и начать пить. Но молоко оказалось слишком горячим и вы обожглись. Резко отдернули руку и пролили молоко. Вот это действие реактивного ума – и вы получили отрицательный результат. В следующий раз, при поднесении стакана ко рту, у вас бессознательно всплывает эта ситуация и рука слегка вздрагивает. Это командует уже встроенная в клетке болезненная информация, активизированная реактивным умом.

Таким образом, вы видите, что реактивный ум в определенных ситуациях отключает аналитический, завладевает рабочим умом и приводит в действие нецелесообразный поступок. Теперь понятна разница между этими разновидностями ума.

Приступим к разбору проявлений психической энергии: мыслей, эмоций, образов. Для мыслей, производимых полевой формой характерно следующее: некоторый запас психической энергии, собственные пространство и время, и это пространство должно быть заполнено различными комбинациями энергий, составляющих полевую форму человека. В зависимости от насыщенности мысли психической энергией, она обладает различным сроком существования. В зависимости от формы пространства и энергий ее составляющих, мысль несет ту или иную информацию как отдельного фрагмента так и всего мыслительного процесса. Древние мудрецы главное внимание уделяли тому, чтобы возникшая мысль стала четкой и ясной. Далее, ее необходимо было реализовать с помощью воли в виде какого-то физического акта или действия и вывести из организма. Считалось, что лишь физическое действие дает законченность мысли. Если мысль "размазана", или не реализована, то в организме человека происходит так называемое накопление "умственного яда" (загрязнение организма), что влияет отрицательно на весь процесс мышления.

Эмоции подразделяются на простые и сложные. Сложные эмоции принято называть чувствами. Чувства существуют более длительно и определяются интеллектуальным развитием. Простые эмоции выражаются такими понятиями, как настроение (грустное, спокойно-умиротворенное, тревожное или тоскливое, торжественное или веселое), а также аффектами – кратковременными, но предельно яркими, бурными эмоциональными вспышками (восторг, гнев, ярость, ужас и т.п.).

Образное мышление, как обычная мысль, состоит из некоторого запаса психической энергии, которая "оформлена" в виде предмета, картины, живого существа. В итоге образ, отделившись от своего создателя, "живет" некоторое время самостоятельной жизнью, пока не израсходуется психическая энергия, его поддерживающая. Информация, которую содержит мыслеобраз, передается другому человеку или предмету. Чем длительнее и интенсивнее создание образа, тем сильнее его последующее воздействие.

Итак, сделаем вывод:

— Ваше творчество неразрывно связано с психическими процессами, происходящими в организме;

— разновидности человеческого сознания оказывают огромное влияние на поступки, действия и формирование мысли;

— необходимо помнить о трех правилах мышления: четкое формулирование мыслей, выведение отрицательных мыслей наружу (за пределы сознания), логическое исследование мысли (саморегулирование и самоконтроль);

— при творческом процессе используйте психическую энергию, которая проявляется в создании мыслей, эмоций, образов;

— не выведенные эмоциональные энергии вызывают в организме повышение мышечного тонуса и "затвердевание" соответствующих участков тела. Только путем "проигрывания" отрицательного действия, повторного переживания и анализа, можно избавиться от повторения аналогичных жизненных ситуаций.

Остальные выводы сделайте сами при повторном, более внимательном, прочтении данной главы.

Известность как таковая

Если Человек очень хочет в этой жизни чего-нибудь достичь, то он обязательно достигнет. Путей к вершине славы множество. Самый лучший путь – это труд и усердие. Остальные пути фальшивы. И рано или поздно "легкое" прохождение определенных участков скажется отрицательно (будь то творчество или еще что-то).

После того, как Человек становится известным, он впадает в определенное состояние, которое математическим языком можно обозвать const. И плюс, на него сразу "вешается" дополнительный груз, который придется нести всю свою оставшуюся жизнь. Во-первых: нельзя больше делать хуже того, чем уже сделано. Во-вторых: твоя жизнь теперь оказывается под пристальным вниманием окружающих, необходимо следить за своими поступками, действиями и т.п. В-третьих: недаром говорят, что надо пройти огонь, воду и медные трубы – попробуйте, пройдите! Не все выдерживают таких нагрузок. Тяжело. Тяжело идти еще выше (в творческом плане), тяжело уделять такое же количество внимания старым друзьям, тяжело общаться с людьми, которые считают, что только им дано право общаться с Вами.

Здесь хочу добавить лишь два предложения: "Имена", не смотрите на жизнь с высоты птичьего полета. Люди, не думайте, что Вы одни на Земле, вокруг еще очень много людей, которым необходимо уделять внимание.

Монолог барда /Е.Клячкин/

Чтобы говорить серьезно об авторской песне, нужно вернуться назад – даже не в 60-е, а в 50-е годы. Масса людей обретала себя. Нужно было только выбрать, чему служить. Важно было видеть, насколько это нужно людям и несет им добро. Я выбрал песню.

Оказалось, что слово имеет вес. Что оно материально – пусть даже из него нельзя штаны сшить и надеть. Что слово весит не меньше, чем поступок, потому что из него вытекают поступки, объясняет и вызывает их. Тебя слушают, на тебя смотрят, и ты сам смотришь на кого-то. Эти "ля-ля-ля", казалось бы, несерьезные словеса под гитару или без нее – на них строится твое поведение, критерий "быть – не быть", как вести себя...

У меня к тому времени в руках уже была гитара, какой-никакой голос, желание петь, а тут еще появились стихи моих сверстников-поэтов, задевающие за живое. Например, о любви. В лирике тогда было столько ханжества, фальши, что наше слово особенно остро соотносилось с тем, что есть, и чего нет. И для меня вопрос лирический приобрел особое звучание.

Чем жила наша эстрада в то время: "Не хочу я тебе в день рождения дорогие подарки дарить, а хочу в эти ночи весенние" о какой-то там любви говорить... Да, это прекрасно, но это только одна сторона, один сектор сферы, а есть и другой, не меньший, который влияет на наше поведение, скрытый. Как у айсберга подводная часть. Обманывать не надо было. И то, и другое – правда, но одно – можно, а другое – нельзя – вот это и есть обман.

Я специально остановился на лирике. Но были другие темы – самые разные, как у Владимира Высоцкого, например. Люблю очень Булата Окуджаву – он мне ближе всех, но первым считаю Высоцкого. Так сложилось. В этом смысле Высоцкий был человеком высочайшей пробы.

Трагической, но счастливой судьбы. Не всякий поэт, даже очень талантливый, удостаивается ее. Можно горько писать, но обязательно надо – не для отдельных представителей, а для всех, для народа. А для этого должно быть особое свойство таланта – слышать дыхание всех. Или очень многих сразу.

Мы были родом из шестидесятых годов. Это наши истоки. Потом был тяжелый период умолчания, о котором мы теперь открыто говорим. В тех условиях авторская песня стала одним из главных способов общественного самовыражения, способом прямого общения и обратной связи между обществом и личностью. Потому что в любые времена не было в ней вранья, славословия, конъюнктуры.

Для меня особенно важно подчеркнуть, что авторская песня, этот жанр и это движение воспитали гражданственность во многих людях, в целых поколениях. Песня всегда была отдушиной, люди, приходившие на наши концерты, вдыхали чистый воздух и – верю – уходили в какой-то степени обновленными...

Взрослели мы, взрослели наши песни. Начиналось с нескольких имен – Михаил Анчаров, Булат Окуджава – явления! Потом пришло наше поколение – на 10 лет моложе. Условно – потому что всех не перечислишь – Высоцкий, Визбор, Городницкий, Ким, Якушева...

Сейчас, сегодня многое меняется. И меняется в нас самое главное. Об этом я тоже хотел бы сказать особо, думаю, что скоро появится песня... из людей, которые не могли ни на что повлиять, мы превращаемся в людей, чьи голоса, чье мнение будут услышаны. Мы видим, что за правильными словами стоят правильные поступки, дела. Вот что важно. Вот что гражданственно.

Что авторская песня стала явлением общественным, по-моему, доказывать не надо. А вот авторская песня как явление культуры... Мне часто задают вопрос: "Чем отличается самодеятельная песня от эстрады?" В конце концов, формула созрела. Есть критерий, который для эстрадной песни вообще не "играет", а для нас является главным, определяющим ценность песни. Критерий искренности. Степень доверия, которое вызывает песня.

Для ясности – поговорим об эстраде. И "бегут, бегут, а он зеленый..." поет диско-танцор, диско-певец – правда, я не представляю, что он будет делать, когда его кудрявые волосы поседеют... Но пока он такой – все мило. Эстрадные песни четко работают на то дело, для которого предназначены. Они нас развлекают. Верить им не обязательно.

С нашей песней – все наоборот. Она претендует на доверие, она обязана его вызывать. И если что-то не срабатывает, то это брак не только в нашей работе, но и внутри самого человека. Неточность выражения есть порождение неточности чувства.

Когда Высоцкий написал: "Чую с гибельным восторгом..." – так не придумаешь "из головы". Нельзя придумать "гибельный восторг"! А когда хороший в общем-то автор Александр Розенбаум поет: "Здесь теперь не смех, не столичный сброд..." – а песня о Ленинграде, о блокаде, — то слово "сброд" опрокидывает песню напрочь. Про довоенных ленинградцев нельзя было сказать – "сброд"! Единственно отсутствие чувства может продиктовать в такой песне такое слово. Нам не нужна эта подмена чувства пустым словом, она не прибавляет ничего, а автору убавляет.

Ради бога, мы готовы отдыхать и развлекаться, только не делайте вид, что берете нас за сердце. Делая вид, многих можно обмануть.

Искренность – великий критерий. Можно где-то коряво сказать, неудачно, но если правду – все равно услышится. Это главное, на чем зиждется авторская песня. И еще держится она на слушателе. На людях, для которых как живой глоток – думать.

Свой зритель

Здесь стоит поговорить о двух вещах: первое – искусство, как получение удовольствия, второе – искусство, как диалог с собеседником.

Искусство, которое ставит перед собой задачу – развлечение публики (зрителя), сегодня называется – шоу-бизнес. И действительно, одна из самых важных задач шоу-бизнеса – это развлечение (народу хлеба и зрелищ); отвлечь слушателя от самого себя, от проблем, накопившихся в жизни, от поиска смысла существования, то есть: нет вопросов, нет ответов (все очень миленько, хорошо и весело). И это имеет место быть, почему бы не потанцевать, не повеселиться, не подурачиться, но не надо только ограничиваться этим. Иначе "нас" (людей) завтра ждет полная деградация.

Вернемся, все-таки к "нашему" искусству – "искусству диалога".

Когда вы пытаетесь или вступаете в диалог со зрителем о смысле жизни, о проблемах, задаете себе вопросы, пытаетесь на них отвечать, то на выходе – получаете диалог, который привлекает внимание к вашей персоне. При этом, надо учитывать, что ответов на один и тот же вопрос может быть множество, то есть у каждого Человека имеется свое мнение и, мы получаем дискуссию. Таким образом существует определенное количество зрителей, которые "соглашаются" с вашим творчеством, а есть другая часть..., которая против ваших взглядов (слов, песен, мыслей и т.д.). В этом и заключается основной смысл вопроса – "о поиске своего слушателя (зрителя)", таким образом должно происходить "слияние" ваших мыслей и слушателя. При любом раскладе, существует понятие активного слушателя (пусть этот, эти люди не соглашаются с вашим мнением), но им интересно услышать его, поспорить, обсудить. Так как поиск собеседника в искусстве может происходить не только среди современников, то поэт (автор) должен стремиться искать "форму" своего творчества, устойчивую во времени. Здесь, видимо, стоит поучиться на опыте наших предшественников, но при этом стараться создать что-то свое, собственное. (Очень яркий пример вышесказанного: В. Высоцкий). Но не увлекайтесь поисками форм, просто творите, и лишь "внутренний голос", ваше Я подскажет Вам правильные ходы, пути развития (если Вы, конечно, хотите этого).

Итак, слушатель может быть только активный. Отсутствие активности равносильно отсутствию слушателя. Значит поиск своего зрителя – это поиск слушателя, который наиболее подходит к творчеству автора. Существует несколько типов общения:

— сверху вниз

— на равных

— снизу вверх.

Сразу можно сказать, что зритель не принимает тип общения снизу вверх (помидорами забросают, или чего хуже: спой-ка нам вот это...). К сожалению, очень часто встречающийся факт. Вывод: не идите на поводу у зрителя.

У нас остается два типа: доверительный и назидательный. Выбирайте. Настоящий, серьезный автор говорит зрителям всегда то, что хочет сказать. В реальной жизни происходит то же самое: или Вы будете лукавить, заискивать; или будете открыто говорить правду, то, что думаете. Если же Ваш собеседник не понимает Вас – ничего страшного, значит это не ваш слушатель, он не находится в данном круге людей, и более того, может он еще вообще не родился. Ясно одно, если творчество высокопрофессионально, вы талантливы, вы трудолюбивы, однозначно, что Вы найдете своего зрителя. Может быть, даже, что Вы не доживете до этого дня, так как любое творчество находится в определенной социально-культурной среде (культура находится в социуме). Произведение искусства не принадлежит социуму, оно вечно.

О границах жанра в авторской песне

Еще недавно звучали разговоры, в которых обсуждался вопрос о чистоте жанра авторской песни. Очень много говорилось (мусолилось). На сегодняшний день, при проведении конкурсов, на различных фестивалях, как правило, выделяется несколько номинаций: авторы (в чистом виде), композиторы, исполнители, дуэты, ансамбли. То есть, вопрос не стоит о том, что истинным бардом можно считать только того, кто сочиняет стихи, музыку и сам же их исполняет. Строго говоря, "классическое" определение жанра авторской песни, введенное в середине 70-х годов В.Высоцким и поддержанное Б. Окуджавой, уже давно не имеет места быть, так как оставляет "за бортом" жанра таких авторов песен, как В. Берковский, А. Дулов, С. Никитин и многих-многих других.

Сегодня хотелось бы поговорить не об этом, да и вопрос этот "перекочевал" совершенно в другое русло, он имеет другие аспекты. Совершенно ясно, что человек, который пишет только музыку, и серьезно занимается жанром, вправе себя считать бардом, то есть "современный" бард – сегодня гораздо более широкое понятие, чем тридцать лет назад. Это тот, кто сочинил песню, и сумел интересно преподнести ее зрителю.

Гораздо сложнее и интереснее вопрос: какую песню можно считать "бардовской" песней? Тогда: можно ли считать "Темную ночь", в исполнении М. Бернеса, бардовской песней или песни из кинофильма "Романс о влюбленных" в исполнении А. Градского. Узнаем мнение:

Е. Агранович.

Однажды "самодеятельная" (самородная) песня может неожиданно для автора вклиниться в высокие сферы, например, в мир большого кино. Очень давно у меня сложилась песенка, и шла по компаниям, многие в свое время ее знали: "Я в весеннем лесу пил березовый сок, с ненаглядной певуньей в стогу ночевал..." И вот она, каким-то образом, выцарапалась из наших "подвалов". Режиссер фильма "Ошибка резидента", во время несъемочного дня, услышал, как ее пели актеры данного фильма для себя..., так она попала в картину, и стала очень известной.

Или другой вариант, когда Ю. Ким специально для кинофильмов писал песни (пример: "Двенадцать стульев" с А. Мироновым).

Вот Вам два случая, они и похожи и нет, на выходе результат – хорошая песня, которая попала в кинофильм, и стала известной.

То есть, на сегодняшний день, в разряд бардовских песен мы можем включить все "хорошие" песни (точнее песни с хорошими стихами и музыкой)? Практически да. Но все-таки что-то тут не до конца ясно. Объяснение простое. С незапамятных времен существовали поэты, композиторы (профессионалы, официально признанные властями), и не все из них были "плохие" (а точнее, не все писалось на заказ: "Да здравствует партия – наш рулевой..."). И параллельно образовался целый культурный (песенный) пласт, получивший название бардовская песня. На рубеже веков, мы начинаем понимать, что лучшее из одного и лучшее из другого направлений – лежит в одной области, которую мы и назвали хорошей песней.

То есть различия, которые были продиктованы социально-номенклатурными "кознями" стерты. Даже, хуже того, те, которые считают себя профессионалами, начали такое писать, что лучше бы они не писали вовсе. (Очень жалко, что в поэтическую сферу шоу-бизнеса влезли, практически, одни бездарности).

Итак, вопрос о границах работы в жанре, можно считать закрытым, а точнее, эти границы стерты временем. Единственное и неизменное остается – это искренность, правда, красота, мысль и диалог в песне. Вот что можно считать бардовской песней сегодня.

Функционеры и авторы

Немаловажную роль в жизни бардовской песни занимают, так называемые, функционеры. Кто эти люди? Судьба каждого складывалась по-разному. Одни – это те, которые по велению сердца, занимаются бардовской песней; другие – из чисто коммерческих соображений, так как на бардовской песне сегодня тоже можно заработать и очень-очень хорошо (проведение фестивалей широкого масштаба – это очень большие деньги), и естественно, всегда находятся желающие, которые понимают и находят свою выгоду (в денежном отношении), а отсюда и ряд фестивалей, которые больше напоминают шоу; третьи – по недоразумению, то есть когда послал комсомол на ответственный участок работы: контроль за движением самодеятельной песни, и до сих пор..., естественно с другими словами, мыслями, выражениями и т.д.

А отсюда и непонимание ситуации сегодняшнего дня: все течет, все изменяется. Как и в обществе, которое поделилось, изменилось, преобразилось и т.п., так и мир авторской песни претерпевает изменения, и волей-неволей, функционерам тоже надо подстраиваться. К сожалению, сегодня все преобразования уходят в сферу, близкую к шоу-бизнесу, а как же высокое искусство. Вот тут-то и возникает вопрос вопросов: "что сделать"?

Видимо, все-таки, надо коренным образом менять типовые схемы проведения фестивалей, уделять большее внимание молодежи, а не себе любимым. Выстраивать концертные программы так, чтобы зрителю было интересно. На большие площадки выпускать только подготовленных профессионально авторов-исполнителей, и еще много-много чего... и эти вопросы зависят от функционеров, так что придется им попотеть, а то завтра не будет работы,... думайте.

Немного отрицательного...

В этой главе хочу высказать свои мысли о том или ином факте в мире бардовской песни, они будут полезны особенно молодым, которые только-только начинают и тем, от которых зависит распределение лауреатских и прочих званий:

+Господа жюри, обратите внимание на следующее:

— нельзя в номинации автор, композитор или исполнитель допускать участников, которые пользуются инструментальными поддержками, так как это — номинация дуэт или ансамбль. (Иначе можно дойти до того, что автора (одного человека) будет поддерживать симфонический оркестр, подпевка, подтанцовка и т.д.);

— не губите молодые таланты, не присваивайте им лауреатских и дипломантских званий, лучше отмечайте каким-либо ценным призом, кому это изречение не понятно, обращаться лично...

— прекратите судить о жанре по понятию: свой — не свой; все свои, если пришли к Вам (нам, т.е. в мир бардовской песни);

— лучше научить, чем навечно отбить охоту у человека заниматься авторской песней, а для этого надо быть терпимее, доброжелательнее, заниматься "пропагандой"; а сказать что это хорошо, а это плохо могут многие.

+Господа функционеры помните, что главные на фестивалях, конкурсах, слетах и т.д. не Вы, а участники и гости, а также члены жюри.

+Молодежь, прежде чем войти в мир бардовской песни, подумайте...

не хочется больше ничего отрицательного, давайте лучше поговорим о завтрашнем дне.

Театр и бардовская песня

Моцарт и Сальери существуют в искусстве как единое целое: талант и мастерство, которое нарабатывается годами монотонного и кропотливого труда. Если рассматривать бардовскую песню, как игру одного актера в театре, то можно сделать определенные выводы:

— бардовская песня – решение актерской задачи в театре одного актера, действо которого представляет собой разговор со слушателем (зрителем) такой же естественный как в жизни. При этом надо понимать, что первый (в диалоге) активный, другой (зритель) пассивный, но при этом – активный слушатель. Именно в этом суть успеха, т.е. заставить слушателя стать активным (не произнося ни слова);

— составляющими диалога являются:

а) обстоятельства, при которых происходит диалог (беседа), создающие определенную атмосферу;

б) диалог – наличие партнеров (исполнитель-слушатель), которые обладают определенным состоянием души и, в свою очередь влияют на создание атмосферы;

в) в данной, создавшейся атмосфере, у каждого (исполнитель-слушатель) рождаются определенные мысли, они "повисают" в пространстве и влияют на происходящее в зале;

г) мысли превращаются в определенные фразы, которые влияют на настроение... Интонация, с которой они произносятся естественны и точны, и соответствуют именно данному настроению и, данной атмосфере.

При этом, необходимо помнить, что Вы находитесь в состоянии расслабленности и естественности, мышечное напряжение отсутствует, и только подсознание контролирует процесс. Не беда, если произойдет небольшой сбой, зритель его простит (или не заметит), если только Вы сами не будете на нем акцентировать внимание. В результате Вы должны убедить зрителя в том, что фразы, произносимые вами, рождаются у них на глазах, а незаученны и неподготовлены заранее. Необходимо помнить всегда, что:

— зритель не является профессиональным партнером, следовательно подыгрывать Вам он не будет; (определенными действиями все же можно заставить (сподвигнуть) его на подыгрыш);

— зритель в зале не один. Следовательно, свое внимание необходимо равномерно распределить на всех, включая свою фантазию, и быстрое реагирование на малейшие всплески внимания...

— внимание зрителя непостоянно, оно рассеянно, отсюда, следует использовать приемы, когда большинство аудитории находится в фазе "внимания", то есть определять для себя определенные сектора (может даже конкретного зрителя, если в этом есть необходимость), вспомните о понятии "круги внимания"...

— вы, практически, не имеете право на ошибку, так как ошибка ведет к рассеиванию внимания, что, в свою очередь, отвлекает от основной мысли, от диалога (беседы)...

Выводы: если Вы хотите "владеть" публикой, зрительным залом, старайтесь "работать" с максимальным вдохновением и импровизацией, будьте естественны и свободны, используя все технические навыки (мастерство), которыми Вы владеете, при этом не выпячивая их напоказ. Контролируйте все события, происходящие в зале, ведите диалог с залом, как со своим старым, хорошим другом, не отвлекайтесь от основной мысли, которую Вы хотите высказать и, Вас ожидает успех.

Бардовская песня XXI века

Феномен авторской песни заключается в том, что из любительской (самодеятельной) песни, она, в конце ХХ века, переросла в высокопрофессиональное искусство, которое, в нашей российской культуре, является одним из самых мощных и ярких явлений. На сегодняшний день, авторская песня 60 – 80-х годов выполнила полностью свое предназначение – отстояла "свободу" слова в российском пространстве. Теперь перед бардовской песней встают новые задачи, которые необходимо определить.

В результате нашего разговора, мы выяснили, что бардовская песня – более широкое понятие, чем это было в 60 – 70-х годах. Что дальнейшее развитие бардовской песни, скорее всего, будет происходить через ее театрализацию. В чем она заключается. Сегодня, как показывает практика, слушателю (массовому зрителю) абсолютно безразлично конкретное авторство той или иной песни. Его, скорее, интересует действо, происходящее на сцене, а отсюда следует, что исполнительское мастерство преподнесения бардовской песни сегодня должно достигать такого уровня, чтобы можно было открыто "соперничать" с тем, что происходит в шоу-бизнесе. Тем более, что назревает момент, когда людям надоест слушать (приходить) на фонеризированные концерты, то есть, им захочется диалога и мысли в песнях. Этот момент нельзя упускать, так как иначе, я не побоюсь этого слова, произойдет деградация нации, как таковой.

Вернемся к дальнейшему развитию нашего жанра. Очень хорошо, что в ряде городов, энтузиасты начали уделять большое внимание детям, так как, приобщая молодежь к бардовской песне, они способствуют развитию культуры среди молодежи.

Дальнейшее развитие бардовского искусства, видимо, будет идти через изменения в проведении фестивалей и конкурсов, в нахождении новых подходов в реализации творчества молодых, в развитии театральных классов, школ, ориентированных на синтез поэзии и музыки, на дальнейшее преобразование творческих мастерских в базовые структуры "подготовки" профессиональных актеров нашего жанра.

Многие из бардов, наконец-то, поймут, что решение различных вопросов можно реализовать на практике только общими усилиями, а не в одиночку. Как следствие — возникновение коллективов единомышленников, решающих общие театральные (и другие творческие) задачи.

Хотим мы этого или нет, в бардовские ряды войдут люди, которые пишут в рок, блюз и других стилях (хоть народное), но отвечающих определенным критериям жанра (мысль, диалог, "хорошее" слово, истинная поэзия и т. д.)

Возможно, что будет создан совет, или другой орган, способствующий творческому развитию бардовской песни в целом, то есть орган, профессионально критикующий, и дающий право выступать на "больших" сценах. Что, в свою очередь, будет способствовать "чистоте жанра", а точнее отсутствию на больших сценах авторов (исполнителей), которые недостаточно профессионально подготовлены, и как следствие – создают в жанре мнение, "ноющих" поэтов, не владеющих ни гитарой, ни словом.

Да, пора начинать строить новые отношения, вырабатывать новые подходы к происходящему, искать новые пути развития бардовскому движению. При этом, конечно, отдавая должное всем тем, кто начинал, кто искренне пел для нас все эти годы, кто способствовал тому, чтобы мы стали теми, кто есть сейчас. Пришло время молодых: дерзайте, творите, двигайтесь вперед, несмотря ни на что, за Вами будущее развитие жанра, культуры нашей страны.

Успехов Вам,

Ваш Л. К.