Серия первая

Прежде всего, перед тем, как задуматься об аранжировке и оркестровке (кстати, это не одно и то же), необходимо задуматься о музыкальной форме произведения. А именно — какой стиль, какова собственно форма (она может быть тоже разная — состоять из одинаковых частей-куплетов, либо куплет-припев (AB), либо рондовая форма (повторяется только одна часть, остальные — разные), либо то, что называется "through composed" — вся песня сочинена от начала до конца, как единое целое (у меня есть такие, кстати)...

И, разумеется, стиль. Авторская песня при всей своей камерности, тяготеет скорее, к эстраде, нежели к классике. Вообще, такого рода песни почти всегда являются стилизацией музыкальной под что-то.

"Что-то" — это те стили, которые могут встретиться в такого рода "камерной эстраде" и "подойти" по смыслу.

1. Русский городской романс.

2. Цыганский романс.

3. Блатные и народные песни.

4. Романс "интеллектуальный" — сочиненный профессиональными композиторами — в легком жанре. Даргомыжский, Чайковский, Глинка...

5. Всевозможная музыка кабаре — французский шансон, например.

6. Бразильская музыка (босса нова, ранние стили типа chorinho), а также всевозможные варианты "латино" во всех мыслимых и немыслимых комбинациях.

7. Американская country-music.

8. Эстрада 50-60 годов (очень важно!) как советская, так и зарубежная.

9. Советская киномузыка; особенное значение имеют песни написанные, для, и исполняемые героями фильмов; наиболее яркие примеры — Марк Бернес, а также "классика" — песни в кинофильме "Ирония судьбы".

10. Всевозможная народная и зарубежная музыка, джаз, folk и так далее.

Если присмотреться внимательно — все это является музыкальными корнями и источниками того, что называется авторской песней. Практически невозможно будет найти автора, который не черпал бы вольно или невольно из того или иного компонента... :-)

Соответственно тому — какой из вышеописанных стилей превалирует в песне — и следует выбирать метод аранжировки.

Несмотря на кажущееся обилие стилей — выбор не так уж велик, как кажется. В большинстве случаев так называемая аранжировка авторской песни есть не более, чем добавление каких-то, или какого-то инструмента к уже существующей партий акустической гитары, и совсем редко песни приобретают "оркестровое" звучание, не теряя при этом камерности.

Очень часто, говоря о подобных вещах, можно услышать фразы типа "Необходимы осторожность и такт". Положим, это понятно всем, но что это означает конкретно?

Конкретно это тоже можно сформулировать, хотя и с оговорками. Осторожность повышаться должна в прямой пропорции со смысловой нагрузкой стихов. Грубо говоря, там, где слова превалируют, где главную роль играет смысл — не образ, не картинка, где слова должны "ударить" — крайне опасно включение любого компонента, который может отвлечь внимание и тем самым снизить силу воздействия текста. Особенно это касается резких и ярких тембров, а так же насыщенной оркестровки в принципе. Именно поэтому большинство попыток обработок песен Высоцкого (ну там, правда еще и музыкальный материал небогатый, хотя опять же, зависит как воспользоваться! французам многое удалось) окончилось провалом.

С другой стороны — чем больше лиризма, образности, ассоциативности, сюрреализма — тем больше есть возможность для различного рода украшательств, в таких случаях дополнительные звуки только добавят красок, эмоций и, соответственно, дополнительные смысловые слои. Короче — раздолье композитору.

Так же осторожность необходима в стилизации песни под уже существующую идиому. Особенно этот соблазн возникает тогда, когда музыка в песне, ну буквально просится на какой-то стиль. Один очень талантливый композитор сочинил песню, которая превосходно подошла бы по мелодии, скажем Эдит Пиаф. Он и вставил в нее аккордеон, контрабас, что-то еще из этой же серии... и песня моментально потеряла все свое очарование, поскольку моментально превратилась всего лишь в один из многих существующих вариантов в этом стиле, да еще и исполненный не лучшим образом... слушатель в этом случае предпочтет послушать Пиаф в оригинале (справедливости ради, надо отметить, что он использовал не "живые" инструменты, a MIDI, то есть синтезаторные — а степень приближенности их к реальным, как мы позже увидим — весьма относительна. В любом случае впечатление было грустное, и возникала мысль — лучше бы он под гитару спел — причем не у апологетов чистоты жанра, а как раз у "продвинутых" музыкально слушателей).

Ну и еще, никогда не стоит забывать о том, от кого песня поется — а то иногда я встречал варианты, когда песню Щербакова "Шансон" поет ансамбль из 4 девочек, на голоса разложено классно, звучит здорово, но... не про это песня, не правда ли?..

Серия вторая — практика

Об аранжировке можно говорить бесконечно — каждый из вышеприведенных музыкальных стилей достаточно богат своими нюансами. Тем не менее, время, место и предполагаемая аудитория этой статьи не позволяют мне слишком углубляться в специальные и профессиональные "разборки".

Оркестровать можно что угодно. Как угодно. Любыми средствами. Любыми инструментами. Результат, разумеется, зависит от вкуса, профессионализма и таланта того, кто это делает. Причем именно в камерном жанре авторской песни испортить намного легче, чем улучшить или украсить.

Я не буду рассматривать варианты, когда в распоряжении автора-исполнителя (или просто исполнителя) находится некое количество профессиональных музыкантов — будь то рок-группа, струнная секция, камерный ансамбль или духовой оркестр. Во первых, управлениe такой командой требует профессиональных знаний (каковые являются редкостью в данной среде — я имею в виду AП) — либо, что более характерно — автора попросят постоять в сторонке, пока музыканты сделают все сами — на свое усмотрение, так как они это понимают. Во вторых — такого рода случаи очень редки — можно пересчитать по пальцам. Деньги опять же требуются немалые.

Поэтому — на практике — остается всего лишь несколько возможных и распространенных комбинаций.

1. Две гитары.

2. Гитара + клавиши (как правило, это относительно недорогой инструмент, который обладает рядом тембров, имитирующих, лучше или хуже, звучание "натуральных"... ну и еще с введением компьютерной грамотности, возможно наличие секвенсора — возможность осуществлять многодорожечную запись.)

3. Ансамбль из, опять же, гитары с каким-нибудь живым инструментом — флейта, дудочка, скрипка и так далее...

4. Многоголосие.Вообще-то мое желание таково, чтобы как раз эту часть прочли многие — а особенно те, кто имеет непосредственное отношение к данному предмету.

Научно-техническая революция предоставила людям массу новых возможностей. В том числе и добиваться имитации или создания звуков. Я не буду останавливаться на том, что такое синтезатор и какова его история. Замечу лишь, что в последнее время они стали достаточно дешевы, чтобы быть по карману многим, хотя опять же, цена и качество находятся здесь в прямой пропорции.

Большая часть этих инструментов действительно в состоянии имитировать лучше, или хуже, инструменты акустические. Особенно, если учитывать тот факт, что звуки сами, последнее время, не синтезируются, как раньше, а "сэмплируются" — то есть записывается звук и разбрасывается по всей клавиатуре. Чем больше он содержит компьютерной памяти, тем он качественней, тем больше похож на настоящий, тем больше обертонов содержит.

Современные клавишные — либо в сочетании с компьютером, либо содержащие необходимые software, — могут быть превращены в небольшие оркестры — то есть записывать много дорожек; так же они в состоянии "редактировать" уже записанное — стирать ненужные ноты, копировать и размножать имеющиеся партий, "выравнивать" ритмически небрежную игру и так далее. Короче, чудеса.

Почему же на практике в большинстве случаев оно TAK ПЛОХО ЗВУЧИТ? Особенно, когда дело касается камерного жанра авторской песни?

Причин здесь может быть намного больше, нежели в случае с двумя гитарами, или, там, с гитарой и дудочкой.

1. Низкие по качеству инструменты — всевозможные Yamaha PSR, Casio и так далее. Звуки там только напоминают настоящие, они могут звучать вполне реалистично в динамиках этих инструментов. На записи, тем более, некачественной — это слушать невозможно.

2. Незнание того, что называется "инструментоведением" — диапазоны инструментов, что с чем звучит, что с чем не звучит, отсутствие музыкальной грамотности (не знание нот — а отсутствие слухового опыта и естественной музыкальности).

3. Пренебрежение принципом "Чем насыщенней смысловая нагрузка, тем меньше, по возможности, должна применяться оркестровка." (Это впрямую относится к Щербакову.)

4. Бедноватый и однообразный музыкальный материал — исходная тема. Для авторской песни, к сожалению, скорее правило, нежели исключение.

5. Необоснованное "доверие" к инструменту. Иными словами, часты случаи, что на дисплее самого хорошего и дорогого инструмента высвечивается слово "труба", но звучит что-то ее напоминающее... а поскольку по смыслу "положена" именно труба, то ее и записывают. По причинам для меня неизвестным. Или наоборот, инструмент звучит замечательно — сам по себе, но "в пачке", в сочетании с другими звучит плохо, теряется, здесь нужна уже профессиональная звукорежиссура, отдельная дорожка и обработка вот этого одного инструмента...

6. Ну, и когда все это записывается в бытовых условиях — даже если хорошо было продумано — результат "на лице".

Аранжировка камерных песен с добавлением синтезаторов — наверное, самое тонкое, чреватое и неблагодарное дело. Несмотря на якобы тяготение к простоте и акустическому звучанию даже "корифеев" жанра, слышать свои собственные вещи в хорошей оркестровке, хочется всем. Из известных мне случаев, не удержались перед соблазном: Никитин, Иващенко с Васильевым, Щербаков, Ланцберг, Дикштейн, Мерман, Духовный... наверное, есть и еще, просто я не слышал.

У всех это получилось по разному — в силу собственных способностей (или способностей аранжировщиков, к которым они обратились), вкуса, качества исходного материала и так далее.

Вопрос — можно ли миновать все эти "подводные камни", не будучи профессиональным музыкантом, не уничтожая песенную и смысловую идею, не изменяя (тоже смешное понятие) жанру авторской песни, то есть камерному звучанию?

Можно. Во-первых — обладать вкусом. Как им обладать и где его приобрести — я здесь рассказывать не буду. :-) Это тема для отдельного разговора.

Во вторых — даже в этой области есть свои маленькие подсказки, которые "работают".

И самое главное здесь — если предположить, что вы знаете, какие ноты звучат в аккордах, и вообще имеете понятие об элементарной оркестровке — определить КАКИЕ ЗВУКИ АКУСТИЧЕСКИ СОЧЕТАЮТСЯ.

Итак — какие же тембры сочетаются с акустической гитарой и камерной концепцией пения?

Теоретически — любые. А вот практически...

Необходимо помнить, что любой электронный инструмент, даже хороший сэмплер имитирует "живые" инструменты лишь с той или иной степенью приближенности. В некоторых случаях удавалось добиваться почти идентичного звучания, но! — только общими усилиями со звукорежиссером в обстановке профессиональной студии.

Качество же звуков, издаваемых электроникой, находится в прямой зависимости от цены оной.

Иными словами: качество (реальное) начинается от $1500-1700 и выше.

Но огорчаться не стоит, поскольку задача аранжировки в данном случае — не скопировать любой ценой акустический инструмент, а сделать так, чтобы слушатель по возможности не задумывался, чем было сыграно — "в живую" или на синтезаторе.

Начать, наверное следует с наименее поддающихся "копированию" звуков — которые использовать не стоит (на мой вкус), — в силу того, что они резки, ярки и отвлекают на себя внимание.

1.Сольные струнные. Скрипка, альт, виолончель. Именно в сольном варианте. Практически на любом, даже дорогом синтезаторе они звучат отвратительно и непохоже. Это происходит еще и потому, что звукоизвлечение на этих инструментах в их реальном использовании коренным образом отличается от игры на фортепиано. Хотя, недавно мне при записи удалось получить вполне пристойный звук виолончели — но опять же, только в сочетании с другими инструментами. Но это исключение...

2. Медные и деревянные духовые в высоких регистрах. Труба, саксофон, кларнет — забудьте сразу. Исключением является флейта, — она в большинстве случаев звучит как раз неплохо.

3. Гитара — как акустическая, так и электрическая. Звучит неестественно, то есть слушатель, по идее, догадается, что подразумевается гитара, но ощущение жалкое. Превосходный пример — последний альбом Щербакова "Deja" — он почти весь сыгран на этом тембре. Ощущение ниже среднего, увы...

4. К акустическим инструментам отношения не имеет, но необходимо быть очень осторожным с чисто электронными, "синтезаторными" звуками — сольными. Иногда можно очень интересно окрасить песню, иногда испортить мгновенно.

Теперь о том, что может быть "палочкой выручалочкой" для подобных ситуаций.

1. Перкуссионные (ударные, то есть) с настройкой, звуки.

Вибрафон, колокольчики, челеста, электропианино (осторожно, стараться избегать "digital" призвука), акустическое пианино, клавесин. Идет на ура почти всегда, даже когда относительно непрофессионально сыграно. С акустической гитарой сочетается тем лучше, чем "прозрачней" (мой выбор на очень многие случаи — вибрафон, но это дело вкуса).

2. Некоторые деревянные духовые. Флейта, дудочка, окарина, пан-флейта, рекордер — почти всегда идут хорошо. Иногда им можно найти и неожиданное применение — например, тембр, который часто обозначается как флейтовый, очень неплохо звучит, взятый аккордом в среднем регистре, таким образом, имитируя классический орган в высоком регистре (он так и называется — "флейтовый"). Менее красиво звучат гобои, фаготы, кларнеты, хотя опять же, зависит от инструмента.

3. Если сольные струнные звучат как правило, плохо, то оркестровые — как правило хорошо. В синтезаторах они обозначаются под названием "Strings". Опять же, следует избегать их использовать в высоком и в низком регистре, но если высокая нота и необходима, то звучать она должна всегда на заднем плане с хорошей реверберацией.

4. Медные духовые — в среднем регистре. Очень часто в синтезаторах бывают хорошо подобраны валторны. Кстати — именно их я и рекомендую применять в тех случаях, когда по смыслу требуется труба. Звучит не в пример мягче и благороднее, а контекст тот же. С тромбонами — осторожней.

5. Особую осторожность стоит проявлять с собственно перкуссией, проще говоря — с барабанами. Их используют, как правило в контексте "секвенции". Следует избегать бас барабана (kick) и Том-томов — они "утяжеляют" мгновенно, и лишают песню камерности. Хотя, совсем недавно, я услышал очень толковое использование барабанов, причем в комбинации с акустической гитарой — на CD Виктора Луферова, песня "Дорога".

6. В качестве так называемого аккордового фона можно использовать различного рода органы. Здесь смотреть (слушать) по вкусу. Правило — чем мягче звук, тем оно лучше. Все решает баланс. Очень интересно и свежо зачастую звучит так называемый "pad" — это набор тембров, функция которых — подкладка под вокал и все остальные инструменты. Представим себе струнный или духовой оркестр, из которого "вынули" все высокие частоты, всю резкость — и может быть добавили реверберацию, какие-то эффекты. Такие тембры есть в каждом синтезаторе, с ними нужно быть осторожными, и при сведении записи оставлять "на заднем плане"

7. Особое место занимают аккордеоны и их разновидности. Звучат они иногда неплохо, но как раз с ними нужно стараться соблюдать правила игры на них — мелизмы, форшлаги, аккорды в близком расположении.

8. Бас — в современных клавишных инструментах довольно большой выбор акустических и электрических инструментов этого плана. Как ни странно, большая часть их на записи звучит неудачно в контексте камерной музыки.

T.e. необходимо обрабатывать при сведении. Лучше всего использовать инструмент, который звучит сам по себе не очень ярко и выразительно — по типу "fretless bass". Но можно и имитацию контрабаса. The rule of thumb (дословно — правило большого пальца :-)) — если использовать бас, то основная партия гитары должна быть пересмотрена — поскольку на гитаре тоже есть ноты в низком регистре. Таким образом гитара перестает играть роль мини-оркестра и функцию носит исключительно ритма и гармонии в среднем регистре.

Начнем с варианта 1.

Две гитары — наверное, самая выигрышная, мобильная, удобная и самодостаточная комбинация инструментов для аранжировки авторской песни. Даже абсолютно непрофессиональный чес вразнобой на двух ненастроенных гитарах звучит не так ужасно, как по идее должен был бы. :-)

Возможности же у этой комбинации практически безграничные — в силу того, что гитара — инструмент гармонический, то есть производящий аккорды, но так же и мелодия, и ритм превосходно на ней звучат.

Зависит конечно от исполнителей — чем они воспользуются.

В аккомпанирующем же, дуэте — прошу это отметить — не инструментальном, а именно аккомпанирующем! — делать можно разные вещи.

1. Два аккомпанемента. Один ведет основные ритм и гармонию. Второй же играет те же аккорды — но уже в другой аппликатуре. Ритм может быть один и тот же, но еще лучше, если он варьирует; скажем, одна гитара "чешет", а вторая играет переборами (арпеджио, то есть :-)). Эффект превзойдет все ожидания — поскольку создается то, что в английском языке называется "texture".

Так же можно играть не одинаковые аккорды, а взаимозаменяемые; скажем, один играет Am, а второй — Am6 или Am9, но уже в другом регистре... но это уже для "продвинутых".

К сожалению, этот метод при всем удобстве не очень распространен. Видимо со знанием аккордов народ подкачал... все норовят играть абсолютно одинаковыми аппликатурами... что создает эффект "расстроенных" гитар — даже когда они состроены... :-)

2. Аккомпанемент + мелодия. Очень эффективно дублировать мелодию на гитаре, в тот момент, когда ее же поют. Во первых — она (мелодия) усиливается. Во вторых — это, что называется, reference для певца — даже если он иногда неправильно поет — это скрасит его ошибки. А во вторых — ошибок будет меньше. Просто и эффективно.

3. Аккомпанемент + контрапункт. Для непосвященных объясняю. Контрапункт — это мелодия, написанная (сочиненная) наряду с основной мелодией — для того, чтобы оттенить основные и наиболее яркие ее моменты. Для того, чтобы делать это хорошо — нужно иметь некие понятия о том, что такое "интервал", "консонанс", "диссонанс", а также разбираться в ритме — понимать, чем "шестнадцатые" отличаются от "триольных восьмых"... или хотя бы "четверти" от "восьмых", немного разбираться в основах композиции... или просто обладать естественным даром к сочинению хороших мелодий. :-)

4. Аккомпанемент + ритмический акцент. Самое простое. Отмечается всего лишь сильная доля в ритме песни. Если ритм не очень простой — с синкопами то есть — это может быть очень эффектно и красиво.

5. Комбинация всего вышеперечисленного. Я обычно это и делаю. :-)

Остается добавить лишь то, что комбинация из двух гитар с успехом вписывается в любой из музыкальных стилей, которые я перечислили в начале статьи.

Работа с клавишными

Примечание.

Роль баса абсолютно громадна. Наличие бас-гитары или контрабаса коренным образом меняет как звучание песни, так и восприятие ее слушателями. Это основа, фундамент — который мгновенно переводит музыку в другое измерение.

Позволю себе крамольную мысль, что нашумевшие "Песни XX века" приобрели такую популярность не только и не столько из-за материала, сколько из-за такого малопримечательного факта, что контрабас придал не очень профессиональному гитарному "чесу" тот самый "драйв", благодаря которому это стало слушаться не как самодеятельность уже, а как камерная эстрада.

Поэтому — будьте внимательны. Если работать с клавишными вариантами баса, то во первых — послушайте, как это делают басисты (или проконсультируйтесь с ними — там есть свои приемы), во вторых — старайтесь не цеплять низкие гитарные струны (иначе звучание будет "грязным").